Categoría: Art Exhibit
RÉALISME MAGIQUE ET OLYMPIQUE
La exposición "Réalisme Magique et Olympique" es una iniciativa única e innovadora de la comisaria, quien ha reunido a 21 destacados artistas provenientes de Guatemala, Colombia, Perú, México, Ecuador, Honduras, Costa Rica, Panamá y República Dominicana. Esta selección de artistas representa una fascinante muestra de la riqueza y diversidad del arte contemporáneo latinoamericano, mezclan elementos de diferentes épocas y culturas, rompiendo las barreras entre la figuración y la abstracción. El objetivo principal de la exposición es explorar el movimiento Realismo Mágico en la pintura y establecer un vínculo inédito con los Juegos Olímpicos, destacando la conexión entre la imaginación ilimitada del Realismo Mágico y el espíritu de superación, esperanza y excelencia de los atletas olímpicos.
Vernissage Exposición Impressionis-Vous
Créditos fotografías Luz Viera Peruana, Santiago Sánchez de México y Gianlucca Marafioti de España
«Impressionis-Vous»Interprétation latino-américaine du Déjeuner sur l’herbe de MANET. Juin 2023 Sorbonne Pantheón. Commissaire d’exposition Adriana Silva
Une interprétation latino-américaine du Déjeuner sur l'herbe de MANET. En utilisant leurs thèmes, techniques et styles quotidiens, les artistes interprètent le patrimoine culturel français d'un point de vue latino-américain contemporain.
Afiche oficial de la Exposición IMPRESSIONIS-VOUS
Título de mi obra “Bioe-tiquétame”
Adriana Silva. Colombia
@AdrianaSilvaartetculture
Un reto haber diseñado este año el afiche oficial para la exposición anual de Arte al paso gallery interpretar a Manet en su Déjeuner sur l’herbe, no fue fácil. Aquí mis personajes traídos a la contemporaneidad, están preocupados por todo lo BIO, por su belleza, claramente mezclé la cultura europea con la Latinoamericana, no sólo en el color, también en el personaje de la derecha, ataviado con un traje regional.
Hay una hoja de un libro muy antiguo que señala el S XIX que la época de la obra maestra, sobre la mitad del siglo. Me costó mucho encontrar las imágenes en revistas y libros, recorrí todas las casitas dónde dejan los libros viajeros, por todo Paris.
Esta búsqueda llevó meses. Luego el montaje, no sin antes tener clara la idea de lo que quería trasmitir, con mi interpretación.
Cómo parte de mi conciencia en la reivindicación de lo que es ser mujer, ocupar profesiones dónde mayoritariamente hay hombres y ser madre cabeza de familia y cumplir con todo y aveces cargar a otros. Quise poner al hombre desnudo, en lugar de la mujer.
Luego la tercera figura encajó pefecta, su mirada tímida y tocando su ropa. La rana en la esquina y el pájaro fue cambiado por un pequeña con grandes gafas, quien observa todo, desde arriba, sin expresión ninguna. Y es en ella donde me ubico yo, dentro de la obra.
El niño es para mí el vaticino de un futuro distópico, dónde las nuevas generación se etiquetan (para todo) y de todo dependerá de un código QR..
Gracias
Ha sido increíble ésta experiencia.
“After en el Parque Rodó”
Valentina Macedo. Uruguay
@valenartt
“After en el Parque Rodó” es una obra que representa el under de la cultura uruguaya, ¿qué sucede cuando se apaga la ultima luz del boliche? El encuentro oportuno entre una drag, una chica trans y el hermano de Manet que está representado como una estatua, interpretando a través de la piedra, la aparición pero no participación, símbolo de quietud, no autoridad, se invierten los roles, el hombre cis heterosexual es piedra y el debate surge entre disidencias. Esto representa el avance de las leyes en Uruguay, siendo el segundo país Latinoamericano en aprobar la ley de matrimonio igualito y la ley trans aprobada desde el 2018. A su vez, comparten un cigarrillo de marihuana y un mate como ritual de encuentro.
Otras simbologías aparecen y resurgen en el cuadro, Figura de atrás, mujer yendo al baño, agarrando un papel higiénico color rosa, sentada en la fuente creada por Duchamp, tachado y abajo el nombre de la verdadera creadora de la fuente es Elsa Hildegard, Baronesa von Freytag-Loringhoven.
El papel rosa simboliza que los creadores del Parque Rodo, los arquitectos franceses Carlos Thays y Carlos Racine. El cardenal, pájaro autóctono de Uruguay, y como infaltable símbolo la rana, en forma de tatuaje, dos animales de original obra de Manet. La paleta intensa de colores característica de mis obras, invita a ver el paisaje de dos formas: Obra con luz natural, colores brillantes, vivos representan al Parque Rodo, ubicado en la capital de Uruguay. Obra con luz de negra, colores fluo, representa la noche en la ciudad de Montevideo y el under. A través de esta obra, nos cuestionamos sobre el desplazamiento que ah tenido la mujer en el arte a lo largo de los años, así como también ver, ¿cómo se logra salir del under como artista disidente y exponer en los mejores museos del mundo? Los boliches, han sido mi galería de arte, mis mejores obras están plasmadas en húmedas paredes de donde apenas entra la luz. Hoy, decido cambiar de escenario, compartir con el mundo, nuestro universo de maravillas, lo queer es indefinible, quizás todo esto también. Pretendo con esta obra, que el espectador se cuestione, investigue, pertenecer y ser parte de la historia de las mujeres en el arte desde el pequeño de la Republica Oriental del Uruguay, que el mundo conozca a Uruguay como un país avanzado en derechos lgtbqi+.
Le Déjeuner sur l’Herbe
Nelsón Flores. Perú
@Nelsonflores2021
«Déjeuner sur l’Herbe» (Almuerzo sobre la hierba) es una famosa obra de arte del pintor
francés Édouard Manet, creada en 1863 y que perdura a las épocas y a los tiempos.
Es interpretada desde una postura personal al ser amante de la libertad, la naturaleza y
el acto permanente de caminar, rompiendo la barrera del tiempo y del espacio, en mi
eterno caminar me encontré con los personajes de esta famosa obra y deseando
conocer al creador de la misma, me detuve y por tal motivo: “descansé sobre la arena
para dialogar con los personajes de la obra para saber de su autor, para conocer de su
época, de sus sueños”
También para saber de la miseria moral del puritanismo de la época que pretendiendo
no ser visto, fue descubierto por el pincel del genio. Además, mientras dialogo con
dichos personajes, no pierdo de vista mi propósito, mi objetivo: Caminar en búsqueda
de la verdad, caminar como una forma de ser libre, para encontrar el camino, para
encontrar mi camino.
Mis pies gigantes que son la esencia de mi propuesta representan la firmeza, la fe y la
certeza por encontrar el camino en una búsqueda constante y personal por la verdad y
el cielo abrumador representa a los tiempos y a las épocas que para nada son pacíficas,
aún, si pretendes descansar y tener placeres sobre la hierba. Las bellas damiselas son
interpretadas desde la interculturalidad y de mi tierra peruana, igual la comida y los
demás elementos.
Le Déjeuner sur l’Herbe
Pablo Rojas. México
@esculturapablo_rojas
La interpretación de Le Déjeuner sur l’Herbe, dentro de mi visión Latinoamericana, basa en resaltar a personajes minimizados dentro de la obra, pero que conlleva la carga moral de una sociedad ambigua, haciendo mofa del espíritu interno y de su relación conjunta, a través de movimientos infinitos del espacio y el deseo de cada ser.
Le Déjeuner sur l’Herbe
Iván Soto – Honduras
@ivansotoartista
Al iniciar esta obra de arte, me permitió remontarme a las enseñanzas de la academia, siendo mi enfoque inicial un dibujo bien elaborado. En la concepción del dibujo empieza mi interpretación y consecuentemente da lugar para ser parte de mi inspiración a las obras que forman parte de esta colección a las que he nombrado como Cosmogonía Gris y Cruzando la Estigia. Es por ello que Almuerzo en el Campo toma conceptos de ambas.
Rescato a la vez que uno de los mayores retos en la ejecución e interpretación de Manet fue trabajar en una composición ya elaborada la cual me permitiera tener una rotación en la obra.
Traduisez du texte en temps réel à partir de plus de 100 langues. Vous pouvez aussi utiliser Chrome pour copier des paragraphes, des numéros de série et bien plus à partir d’une image, puis les envoyer vers votre téléphone ou votre ordinateur.
Où est Manet ?
Carlos ARANHA. Ecuador
@aranha_art
Je suis ravi de vous présenter ma dernière œuvre d’art, une interprétation du «Déjeuner sur l’herbe» d’Édouard Manet, qui, à mon avis, reflète la possibilité que la peinture soit un outil pour tester l’hypocrisie de la société du XIXe siècle à Paris.
Mon œuvre explore l’idée que Manet a utilisé la femme nue dans la peinture comme un moyen de remettre en question les normes sociétales tout en invitant également à la discussion et à la critique de l’artiste lui-même.
Dans mon interprétation, j’ai choisi de représenter la figure féminine en utilisant un transfert d’impression de journal sur la toile. Cette technique, à mon avis, reflète les nouvelles provocatrices de l’époque ainsi que la nature de l’œuvre originale de Manet, dans laquelle une femme nue est représentée dans un espace public, et une pomme est utilisée comme un geste symbolique de déjeuner et de désir présenté sur un espace ouvert.
L’utilisation d’abstractions de couleurs et de lignes crée une impression de scène de parc, et pourtant c’est une scène sur laquelle la femme est peut-être en train de protester contre l’hypocrisie de la société de son époque.
Dans mon interprétation de cette œuvre d’art, je défie les idées préconçues de la société en explorant sans crainte les domaines de la beauté et du tabou, créant une image visuellement captivante qui suscite la conversation, la réflexion et l’émotion.
«DÉJEUNER SUR I ́HERBE»
«ALMUERZO SOBRE LA HIERBA»
María Mercedes Berrocal. Costa Rica
@translucido_art
Desde que vi “Desayuno en la hierba” me llamó mucho la atención los colores que tiene el cuadro y la luz central.
Quise trabajar en mi línea personal que se caracteriza por ser limpia y simple, siempre con colores sólidos o translucidos. Así de esta manera pude amalgamar mi trabajo con la interpretación que le di a esta obra maestra, basada en colores y ubicación de los elementos.
El bosque está representado en dos piezas sobrepuestas que son la base de la escultura, de un color verde marmoleado. En una de estas piezas simulo el lago con un movimiento en la resina y un tono mas claro. Encontramos 4 figuras largas al centro de la pieza.
La de atrás transparente con unos toques de blanco representando a la mujer de ropas ligeras que está en el lago, al medio se encuentran los dos caballeros en tonos gris y negro, y en un primer plano totalmente transparente la mujer desnuda.
La mariposa para mi, viene representando el anhelo de libertad. Por el contrario el sapo son las cadenas que amarran a estas mujeres a una situación totalmente inusual y castigadas en la época
Ha sido un camino de mucho aprendizaje y
Y este proyecto me deja llena de satisfacción.
Anatomía de un Dandy
Hendry Rivera – Honduras
@Hendry_Rivera_art
Esta es una pintura se interpreta la obra de Manet “Almuerzo sobre la hierba”. El objetivo es crear una obra inspirada de la obra de la obra de Manet que represente una visión desde la realidad latinoamericana. En este sentido, para el desarrollo de esta obra se ha tomado en cuenta una variedad de elementos que representan y evoque la obra de Manet desde aun óptica local.
Esto es un ejercicio que pone de manifiesto la posibilidad de interpretar la obra, por otra parte, en el proceso de creación de esta obra se hizo un análisis de los elementos de la obra de Manet, asimismo se desarrollaron una variedad de bocetos que evoquen una interpretación desde la realidad latinoamericana.
La Guara Roja – Ara Macao – es un símbolo de la cultura hondureña que se estudia y es parte de la enseñanza escolar, par poder denotar la idiosincrasia de Honduras se ha utilizado esta ave como una sustitución del ave que aparece en a la obra de Manet. En la obra de Manet la disposición del pájaro está en el centro de la obra, y esta se mimetiza con la maleza de los árboles, por otra parte en esta interpretación la Guara Roja esta dispuesta por el recorrido visual de la proporción áurea que y se separa del fondo a partir del contraste tonal.
La lancha es un elemento que en la obra de Manet también se mimetiza en el fondo y parece estar dispuesto de una forma ar bitraria, en este sentido, en esta interpretación la lancha no es la excepción. Sin embargo, la forma en que esta dispuesta en la composición de esta obra busca denotar que la lancha no yace sobre el agua sino sobre el aire, como se si flotar como un globo.
La piedra de moler es un utensilio do méstico de origen precolombino y es muy común verlos en los museos arqueológicos de Honduras, como es el caso del museo de Comayagüa, o del parque Arqueológico los Naranjos. Cabe destacar que este utensilio se sigue usando en algunas comunidades como instrumento para moler maíz y algunos alimentos, por que forma parte de la cultura gastronómica que evoca la “hondureñadidad”.
Traduisez du texte en temps réel à partir de plus de 100 langues. Vous pouvez aussi utiliser Chrome pour copier des paragraphes, des numéros de série et bien plus à partir d’une image, puis les envoyer vers votre téléphone ou votre ordinateur.
Wabj’ to k’ul
Eddy Vásquez. Guatemala
@eddyvasquez1
El titulo de la obra esta en el idioma maya mam que significa » comida en el monte » . Esta obra es una representación de mi vida y la vida de los campesinos de mi pueblo. De pequeño me llevaban a sembrar al campo y el único picnic que conocíamos era la de comer en el campo después de trabajar hoy en día todos los que trabajan en el campo les llevaban su comida, ya sea desayuno, almuerzo e incluso la cena ya que algunas se quedan cuidando su siembra, muchos encienden fuego para calentar la comida pero en épocas de lluvia el fuego no enciende y no pueden calentar la comida y ellos comen su comida fría.
En la obra están las montañas que representa al cerro de cocaish que es un cerro muy conocido en mi tierra natal, el lago es un lago icónico de Guatemala qué es el lago de Atitlan, representó a las mujeres de mi pueblo San Juan Ostuncalco de ahí es el perraje que es utilizado para proteger del frio como para proteger de los rayos del sol, con las pelotas de tripa de coche una pelota tradicional de Guatemala representó a la infancia, en las frutas representó la cereza que simboliza la juventud, la dulzura, la sensualidad, la fertilidad, la pureza, la inocencia, la fragilidad, la felicidad, el amor, la esperanza y el esfuerzo que hacen todas las mujeres.
El último almuerzo sobre la hierba
Rigo Peralta. República Dominicana.
@rigo_art
Manet a mi entender en ese tiempo estaba pasando un fenómeno de transición y tolerancia social en mi casó obviamente.
Es otra vivencia pero la misma transición social que se da en las diferentes estampas de la unanimidad.
En esta pieza trato de representar la igualdad de género y la justicia para los más desfavorecidos atada de las manos.
La catedral de Nostradamus en llamas como una apología de Armageddon el principio de un cambio en el orden mundial.
La dama del fondo representa la compaction y la mujer exuberante en el teléfono es la parte sensual como la manzana que representa la tentación del cambio y la nueva obsesión por el continente africano hermosa mulata con la tentación entre las piernas y todos quieren un chin cómo dicen los Dominicanos.
La cotorra representa la esperanza del mercado latinoamericano la última pieza de ajedrez del gigante.
Le Déjeuner sur l’Herbe
Francisco Terrones Jáuregui. Perú.
@francisco_terrones_jauregui
Al observar la obra «Almuerzo sobre la Hierba’ de Edouard Manet me conectó inmediatamente con la visualización de una serie de personajes y escenario que plasmé hace 19 años sin haberlo concluido y ser apreciado como obra, pero al tener una plataforma para compartir e interpretar una obra tan famosa y exquisita, sentí que era el momento de revivir aquella memoria donde cada personaje guarda un valor significativo en mi vida.
Fue un gran desafío para mí realizar esta obra a mano, tallada en madera en bajo relieve, trabajando la perspectiva y planos, además de definir cada elemento de forma pulcra, deseando obtener un placer visual para el espectador.
Motivado y con mucho respeto elaboré esta pieza con el propósito de REVALORAR LA LIBERTAD que debemos tener en cada instante de nuestra vida. Manet se atrevió a quebrar esquemas, fue más allá de lo esperado y rompió paradigmas, su obra es una de las más hermosas y reconocidas en todo el mundo.
En la pieza realizada están todos los personajes que aparecen en la obra original : Dos mujeres, dos hombres, el ave, la rana, el bote y los elementos que conforman el almuerzo. Desde mi punto de vista el hombre mayor, artista de profesión, hace un gesto de aprobación a la pareja de modelos que están frente a él, pues los va a perennizar en una futura obra.
Interpretar la obra de Manet en principio fue un verdadero reto pero sobre todo un gran honor y privilegio. Ahora, culminada la obra la observo detenidamente muy emocionado, siento una desbordante alegría y no me canso de contemplarla.
Los motivos que me incentivan ante esta propuesta artística es revalorar el tallado en madera hecho a mano con herramientas convencionales, que los espectadores al contemplarla se emocionen, se conecten y que mi obra sume en el ámbito artístico.
Conversación sobre la mesa
Ana Victoria Handal. Honduras.
@AVHandal
Esta obra es una interpretación de la obra de Edouard Manet, Le Déjeuner sur l’herbe, donde después de investigar sobre esta magnífica obra, me inspire en recrear una escena de mi niñez. En ese tiempo, yo pasaba días enteros en casa de mis abuelos, y era una tradición sentarnos a la mesa de la cocina a tomar café con algún pedazo de pan dulce. Estos eran momentos de compartir con mi abuela, mis tías y primos, donde se platicaba de todo, desde los quehaceres diarios hasta lo que pasaba en la familia. Cuando recuerdo, me trae a la memoria los libros de Isabel Allende, como ella va tejiendo historias de los recuerdos de su vida y de quienes han sido protagonistas de ella. Hasta hace un par de años pintaba por emoción, lo que me llamaba la atención, siempre sigo haciéndolo pero ahora trabajo en serie. Esta obra será la primera de la serie “Conversaciones sobre la mesa”.
Podrán observar en mi obra, que yo soy una de las tres personas que están sentadas alrededor de la mesa compartiendo un café y semitas. Cada una de las mujeres que aparecemos en la obra, estamos dirigiendo nuestra mirada en la dirección original de la obra de Manet. Decidí solo incluir mujeres como un homenaje a esas conversaciones de mi niñez. Aparecemos sentadas alrededor de la mesa, con el jardín de mi abuela al fondo como se veía desde su cocina. He incluido un loro volando, que era una de las aves que siempre tenían como mascotas. Así mismo, he incluido una rana arborícola, una especie de la fauna silvestre hondureña, manteniendo con estos dos elementos, un enlace con la obra de Manet. En el jardín inclui una mujer desnuda, hincada y abrazando un árbol, una añoranza a los tiempos lejanos y a las personas que nos han dejado.
Con esta obra, mi intención es dar a conocer un poco más de mi, de donde vengo y como soy consecuencia de mis experiencias, mis decisiones y mi aprendizaje a través de los años. He usado una paleta de colores que he creado a partir del 2022, de colores neutralizados pero siempre incorporando mis colores favoritos, como el turquesa, el azul y el amarillo. Podrán observar que también utilice mucha textura, primero preparando el lienzo, aplicando papel, petate, y finalmente usando medios mezclados con la pintura para crear aún más textura y movimiento. He dejado tambien entrever en algunos lugares la imprimatura de color magenta fosforescente, que siente crea una luz a traves de la obra.
Le Déjeuner sur l’Herbe
Nardo Minier República Dominicana.
@nardominier
Esta obra es una interpretación personalizada del artista Nardo Minier sobre la obra del famoso pintor francés Éduoard Manet, realizada por este en el año 1863 durante una excursión a Argenteuil, a orillas del Sena.
Minier ha interpretado la obra con un matiz totalmente tropical, ósea exclusivamente dominicano, colocando los personajes de la historia debajo de un frondoso framboyán, árbol que crece en nuestro país y ha servido de inspiración a muchos artistas plásticos dominicanos.
En esta obra el artista Nardo Minier coloca los personajes en primer plano al igual que Manet recostados sobre la hierba disfrutando de un rico almuerzo de frutas tropicales. La mujer que Manet coloca desnuda en primer plano, Minier la ha colocado también en primer plano, pero en ropas interiores dándole un aspecto más conservador. Los dos hombres de la escena parecen estar algo distraídos y conversando sobre alguna problemática social, uno de ellos le brinda de su bebida como si se tratase de una manera de escapar de su situación, algo muy natural en la sociedad dominicana de bajos recursos.
En la parte superior aparece en escena una mujer lavando a orillas de un rio, una costumbre muy común en nuestros campos, detrás de esta posa en una rama del árbol la cigua palmera ave endémica de nuestro país.
Es mucho lo que se puede decir del significado de esta obra ya que cambia en su aspecto geográfico, cultura y estilo.
Estudio para Manet
John Fredy Restrepo. Colombia.
@johnfred7310
Las épocas históricas son diferentes, el contexto es diferente, los territorios son diferentes. Pero hay algo en común: Lo que son los desarrollos comunitarios de los pueblos y los cambios culturales que constantemente se presentan. Interpretar una de las grandes obras maestras del arte universal y en especial del maestro Edouard Manet es para mí un reto, una responsabilidad y un logro, dignos de enseñanzas y aprendizajes que nutren mi crecimiento como artista.
Una experiencia con la cual aprendí, los esquemas compositivos de las obras de los grandes maestros. Valorar las gamas cromáticas, equilibrio, y atmosferas, dentro del concepto de paisaje antes y en nuestra contemporaneidad, como se estructuran y se simplifican las ideas a medida que la obra avanza en su formalización.
Para mi Le Déjeuner Sur l´herbe representa un cambio estructural en lo que es la forma de pensar de un pueblo, un cambio que se pedía constantemente en las maneras de mostrar la realidad, romper con una tradicionalidad que venían planteando el Romanticismo y el Realismo inspirados en los cánones del Renacimiento
Hoy se siguen pidiendo esos cambios culturales. La comunidad los expresa y los propone a diario, es algo que se debe plantear con las formas estéticas de comunicación y los artistas están llamados a ser partícipes de esos cambios. Mi propuesta o interpretación está inspirada en la representación del paisaje del trópico en el cual se puede visualizar, una variada gama tonal que va de los cálidos, rojos y naranjas, hasta los verdes, terciarios, complementarios y grisáceos.
Una estructura social representada en los personajes que se quiebra o se desmorona con los nuevos estilos de vida. El dinero o bienes materiales es lo que interesa, la lujuria expone su confort en primer plano sobre un tapete dorado. La degradación social que se vive a diario representada en el agua que es vida y las ranas que representan una metamorfosis que empaña su transparencia. Un paisaje que recrea la vida, la divulga y la propone en intensidad y desproporción. Una composición circular que da origen a una creación cósmica ancestral, deja ver un lenguaje divino en constante evolución
Una experiencia que me permitió resolver problemas formales de composición, atmosferas y color. Pero que al final entrega un mensaje de satisfacción y crecimiento, ofreciendo como producto final una práctica digna de contar y compartir.
Merienda en la playa
David Rdriguez Francis (Venezuela-Puerto Rico)
@davidrodriguezfrancis
Mis obras y proyectos artísticos se basan en utilizar elementos esenciales del diseño encontrados en artefactos culturales: productos, la arquitectura, el arte, la música, la poesia; con el fin de descontextualizarlos, reinterpretarlos y recontextualizarlos, considerando el tema y el entorno geo-cultural en el que me encuentre.
En el caso actual, mi interpretación de la obra del maestro Manet, se basa específicamente en mantener su composición original según las ubicaciones de sus protagonistas y los elementos naturales del entorno.
La anatomía de los personajes en la pintura original, la expreso a través de planos geométricos triangulares, texturas con colores brillantes, opacos o turbios, según su importancia y la presencia en la composición.
No obstante, para mí es importante hacer ver que los personajes más protagónicos en mi pintura son las mujeres. Las defino através de triángulos enclavados perpendicularmente a la superficie horizontal y con colores brillantes que enfatizan su lugar actual en nuestra sociedad. Una de las características más importantes, si no la más importante, de mi trabajo geométrico-triangular, es la utilización del color. A través de éste consigo lograr un efecto óptico que provoca que el observador perciba otros colores que no existen físicamente en la pintura.
Es la incidencia de la luz sobre los colores de los planos texturizados que, según la proximidad o superposicion entre estos, generan vibraciones y espejismos espontáneos que no dejan de sorprender al espectador. Ni a mi mismo!
Cada personaje en mi obra se puede percibir de manera individual, pero a la vez en sus relaciones y compenetraciones tanto formales como de colorido. Todo dentro de un paisaje tropical, que se aleja de la turbulencia en la que vivimos.
Este paisaje ilustra el colorido que me rodea constantemente y que me lleva a reflexionar sobre una vida llena de luz junto a las personas que me acompañan en ella. Los colores y sombras de sus esencias y, que a su vez, representan mis distintos estados emocionales, mis diálogos internos y mi relación con Dios.
Así puedo disfrutar mas mis talentos y virtudes poniendo a un lado lo que para mi no es importante.
En mi búsqueda diaria por seguirme desarrollando como artista, camino por rumbos distintos; los cuales me invitan a estar atento a mi entorno. A ver que todo lo que me rodea es material para hacer arte. ¿Cómo salvar el contenido geométrico de cada cosa que veo? ¿Con qué propósito se hizo cada una? ¿Cómo simplificarlas y asignarles un sentido abtracto-geometrico lleno de luz y colores que cambian constantemente?
Este trabajo congela a la luz y al color momentáneamente. Esto redunda en una belleza inmensurable que solamente es posible percibir según nuestra humanidad y por medio de la apropiación de un momento del presente que me brinda la oportunidad de reflexionar sobre la belleza que nos rodea y caracteriza como seres humanos.
Al Compás de la Marimba
Nehemias Escalante. Guatemala.
@nehemiasescalant
La interpretación de Le Déjeuner Sur L’herbe en mi lenguaje personal, consciente y preciso.
A través de los colores y las texturas represento la riqueza cultural de Guatemala una de las cuales es el instrumento autóctono la marimba, al compás de las teclas morenas se presentan estampas folclóricas que relatan mi experiencia campesina, el compartir, el convivir y disfrutar de los alimentos sobre los campos donde los sueños dan inicio cómo en la siembra de los cultivos, convirtiendo el campo en un lienzo, el azadón en un pincel y las semillas en pintura.
Orgulloso de mi municipio de origen Concepción Chiquirichapa que se caracteriza por la agricultura, plasmo el cultivo de la papa y a los personajes vestidos de indumentaria típica guatemalteca en el cual se ve reflejado la flora y la fauna en los deslumbrantes tejidos que cuentan historia y transmiten conocimientos de una cultura.
Traduisez du texte en temps réel à partir de plus de 100 langues. Vous pouvez aussi utiliser Chrome pour copier des paragraphes, des numéros de série et bien plus à partir d’une image, puis les envoyer vers votre téléphone ou votre ordinateur.
Almuerzo en el Paraíso
Juan Manuel Hernández Fallas.
@juanmahernandez_art
Es una interpretación íntima de la obra maestra de Edouard Manet. En esta obra destaco el paisaje selvático y místico que caracteriza mi tierra y ha sido la inspiración de mis obras durante toda mi carrera.
Me he dado a la tarea de jugar con los elementos y la composición, para darle un giro contemporáneo al discurso.
La mujer que se baña al fondo en la obra del Maestro Manet, fue traída al primer plano cobrando protagonismo, para desarrollar una serie de símbolos y significados que detallo a continuación:
Mujer latina, producto de la mezcla étnica iniciada en la conquista. Representa a las Américas. La posición de su cuerpo, evoca la disposición geométrica de composición utilizada por el Maestro.
Ella no hace contacto con el espectador, si no, mas bien consigo misma, dando a entender un estado de satisfacción y de unión con el entorno. Sintiéndose parte de un todo.
Sostiene en sus manos el almuerzo, producto bendito de su tierra y lo extiende al espectador como símbolo de ofrenda. El ave, está caracterizada acá por un colibrí endémico de mi país. Que se sirve de las mieles de dicha ofrenda, simbolizando agradecimiento y tolerancia.
Me he permitido un autorretrato pintando DEJAUNER SUR L´HERBE como un homenaje al Maestro Manet y a la importancia de su huella indeleble y gran aporte a la historia del arte. En el desarrollo técnico y pictórico, me he enfocado en crear una obra con lenguaje poético, tanto en color como en forma, respetando los valores de la academia y con el objetivo de crear un diálogo evocador y agradable con el espectador.
Le Déjeuner sur l’Herbe
Paola Ramos. México.
@paolaramosh_drawings
Vivimos la era de los cambios acelerados. En ese movimiento, la mujer se va visto en los ojos de
otras y ha desarrollado su propia revolución para entenderse como la causa de las cosas que
permean al mundo. La mujer se ha reconstruido durante las últimas décadas, iniciando una lucha
por la igualdad y por su revalorización. Es así como los elementos de la obra señalan objetos
impuestos desde el ámbito social, otrora permitidos y de reciente desmitificación, y muestra
aspectos de la naturaleza femenina como el fundamento de las estructuras reales.
NTÚKU en Mixteco (Púrpura)
Carlos Fuentes. México
@carlosarte4
La pintura para mí ha sido una herramienta clave como medio para el estudio de mi ser. El verdadero arte es la vida y mis lienzos, apuntes como memoria histórica de una expansión al infinito.
Sin duda, hacer una interpretación de Edouard Mànet en «Le dèjeuner sur l’herbe» representa indagar en lo más profundo de la lexigenética para generar un diálogo entre la iconología pictórica parvo identitaria.
Es por esto que «Ntúku», púrpura en mixteco; Una atmósfera mágica envuelve al espectador con el fin de transmitir la sensación inigualable de encontrarse inmerso en los bosques de la Mixteca oaxaqueña. Dónde al caer la tarde los cielos se tienen de rojo imitando a la grana cochinilla que abunda la tierra fértil, las luciérnagas tomando protagonismo con su singular juego de luces y el colorido puro como traducción precisa de la vida a través de los sentidos percibidos como mexicano.
Participar en éste proyecto significó de manera muy personal hacer un homenaje sin pretensiones al arte, a la evolución del ser humano y al arte de mi país, que sin duda tiene una voz y fuerza en pro del movimiento artístico del momento.
Celestino Ortiz y David E. Rodríguez
Salon d'art abordable de Saint-Mandé Île-de-France 2023 8ème édition.
DATE: du Vendredi 23 juin au lundi 26 juin 2023 Horaires: 10h-20h
LIEU: Mairie de Saint-Mandé (10 place Charles Digeon 94165 Saint Mandé ) Métro, ligne1 Saint-Mandé Parking à proximité Horaires: 10h-20h
Vente d’œuvres de qualité à des tarifs accessibles. - Entrée LIBRE - Profitez-en !
Exposition de peintures de Celestino Ortiz (Porto Rico) et David Rodríguez (Vénézuélien) au Salon de l'art abordable et du street art
Organisé dans les Jardins de l'hôtel de ville sur le parvis de la Mairie de Saint Mandé. Stand personnel #37
Celestino et David, exposent leurs tableaux réalisés à Porto Rico à quatre mains sur le même canvas les 23, 24, 25 et 26 juin lors du Week-end de l’Art Abordable.
Une idée du commissaire des expositions Adriana Silva. Membre C-E-A – association française des commissaires d’exposition
Celestino Ortiz Nieves (Junior)
Artist's Statement: My artwork takes a critical view of my social, political, emotional and cultural issues. Often referencing my travels, radio and TV experiences, my work explores the varying relationships between popular culture and fine art. Having engaged subjects as diverse as love, death, life, literature and music, my work reproduces esoteric visual and aural signs, arranging them into new abstract colorful conceptually layered. While I experiment with a variety of materials and processes in each project, my methodology is consistent. The subject matter of each body of work determines the materi- als as well as the forms, textures and colors of the work. During research and production, new areas of interest arise and lead to the next body of work.
Technique de peinture par atténuation de la texture. Acrylique sur toile et pâte à mouler Ma technique est gestuelle et très spontanée.
Mi técnica es gestual y muy espontánea casi action painting.
David Rodríguez Francis
David’s artworks are a combination of intriguing complex simplicity and beautiful vibrancy. His organic forms, vivid expression, fluid lines and delicate textures bring together the magnetism and mystery that characterizes his work. Rodriguez’s caused quite a stir in one of his most recent presentations by completely selling out the series. His work has been recently exhibited in California, Costa Rica, New York, Miami (Art Basel Week) and Santa Fe. David holds a Bachelors degree in Fine Arts, Design and Industrial Design from the University of Kansas and also a Masters in Professional Studies and Design Management, being the first Hispanic to obtain this degree by a Design Institution in the United States. He's a Faculty Member of Industrial Design in the University of Puerto Rico, Polytechnic University and at the Escuela de Artes Plásticas y Diseño de San Juan. David was born in Caracas, Venezuela and currently lives and works in San Juan, Puerto Rico.
Technique de peinture Bordure dure, contours nets, clairs et définis, pas ténus. acrylique sur toile
El hard edge se diferencia de la abstracción geométrica europea por su rechazo al geometrismo dogmático y al expresionismo abstracto americano por la oposición a su gestualidad.
CELESTINO ORTIZ
Né à San Juan (Porto Rico) 1964, Celestino est un jeune artiste qui s’intéresse au mouvement de l’art brut, un terme inventé par l’artiste français Jean Dubuffet. Sous la direction et le mentorat des maîtres artistes contemporains Carmelo Sobrino et Noemí Ruiz, Celestino réaffirme sa passion pour les arts après avoir réussi dans le domaine de la communication. Ses impulsions créatives pures et authentiques le conduisent à travers différents médias à la recherche de son identité. Montrant un grand intérêt pour l’expressionnisme abstrait.
Déclaration de l’artiste :
Mon travail artistique porte un regard critique sur les questions sociales, politiques, émotionnelles et culturelles. Faisant souvent référence à mes voyages et à mes expériences à la radio et à la télévision, mon travail explore les différentes relations entre la culture populaire et les beaux-arts. Ayant abordé des sujets aussi divers que l’amour, la mort, la vie, la littérature et la musique, mon travail reproduit des signes visuels et auditifs ésotériques, les agençant en de nouvelles couches conceptuelles abstraites et colorées. Bien que j’expérimente une variété de matériaux et de processus dans chaque projet, ma méthodologie est constante.
Le sujet de chaque œuvre détermine les matériaux ainsi que les formes, les textures et les couleurs de l’œuvre. Au cours de la recherche et de la production, de nouveaux centres d’intérêt apparaissent et mènent à l’œuvre suivante.
DAVID RODRÍGUEZ FRANCIS
Né en 1961 au vénézuela est un peintre basé à San Juan, Porto Rico, qui se consacre principalement à l’abstraction géométrique et à l’art cinétique. Son travail est fortement influencé, mais pas déterminé, par sa formation en design industriel et par les artistes cinétiques historiques de son Venezuela natal, notamment Carlos Cruz Diez et Jesús Rafael Soto.
Ses premières œuvres faisaient référence à de nombreuses techniques optiques du cinetismo et de l’op art de la fin des années 1950 et des années 1960, notamment l’utilisation de la lumière, de la répétition et de l’interaction avec le spectateur. Ses œuvres les plus récentes, actuellement exposées, se concentrent sur la relation formelle entre la couleur et les formes organiques ou géométriques. Coloriste inné, Rodríguez Francis utilise une palette chromatique stable, juxtaposant des teintes vibrantes à des tons sourds, une signature de son travail. Son utilisation fréquente de contrastes marqués et de transparences vise à remettre en question la façon dont le spectateur perçoit la couleur dans la composition, exigeant un engagement prolongé avec l’œuvre.
Ses peintures sont ancrées dans les principes fondamentaux de la conception, avec des préoccupations sophistiquées pour l’équilibre et le contraste. Néanmoins, sa pratique de la peinture permet de s’affranchir des aspirations fonctionnelles du design. Le processus est privilégié par rapport au produit, une approche qui permet le développement d’un vocabulaire visuel médité mais expérimental.
Une œuvre d’art peut être créée en combinant des éléments de deux ou plusieurs mouvements artistiques, tels que le géométrique et l’abstrait. En fait, l’art a toujours été en constante évolution et les artistes s’inspirent souvent de différents mouvements et styles pour créer de nouvelles formes d’expression.
La combinaison de styles et de techniques peut donner un résultat surprenant et original. Les mouvements artistiques ont des approches et des valeurs différentes, ce qui peut créer une tension intéressante dans l’œuvre résultante. Par exemple, la rigidité géométrique peut contraster avec la liberté de l’art abstrait, créant ainsi une tension intéressante dans l’œuvre.
Pour créer une œuvre d’art qui combine des éléments de deux mouvements artistiques tels que l’expressionnisme géométrique et l’expressionnisme abstrait, vous pouvez suivre les étapes suivantes :
Faites des recherches sur les deux mouvements artistiques : avant de commencer à créer votre œuvre, il est important que vous fassiez des recherches et que vous vous renseigniez sur les valeurs et les techniques de chacun des mouvements artistiques que vous souhaitez combiner.
Décidez de la manière dont vous souhaitez combiner les deux mouvements : Vous pouvez combiner les deux mouvements de différentes manières. Par exemple, vous pouvez utiliser des formes géométriques simples comme base, puis appliquer des techniques expressionnistes abstraites pour ajouter des textures et des couleurs.
Sélectionnez les matériaux : choisissez les matériaux que vous utiliserez pour créer votre œuvre. Vous pouvez utiliser de la peinture acrylique, de la peinture à l’huile, des crayons, du papier de différentes textures, etc.
Créez la composition : commencez à créer la composition de votre œuvre, en utilisant des formes géométriques et des lignes pour structurer l’œuvre. Ajoutez ensuite des couches de couleur et de texture en utilisant des techniques expressionnistes abstraites.
Ajustez l’œuvre : examinez l’œuvre et apportez-y des ajustements si nécessaire. Si nécessaire, ajustez la composition, la couleur et la texture jusqu’à ce que vous soyez satisfait du résultat final.
En résumé, pour créer une œuvre d’art qui combine des éléments de deux mouvements artistiques tels que l’expressionnisme géométrique et l’expressionnisme abstrait, il est important de faire des recherches sur les deux mouvements, de décider comment les combiner, de sélectionner les matériaux, de créer la composition et d’ajuster l’œuvre si nécessaire. N’oubliez pas que la combinaison des styles peut donner lieu à un résultat surprenant et original, alors expérimentez et amusez-vous avec votre création artistique.
Adriana Silva.- commissaire d´exposition
Art Curator
+ Info Celestino Ortiz
+ Info David Rodríguez
VIVE MOLIÈRE!
Soirée de escritores franceses y Latinos
Organisé par «Association «Arte al Paso»» en partenariat avec «Ambassade du Honduras, l’Association des Étudiants Internationaux de la Sorbonne (ADÉIS), Editorial Terramostra». Dans le cadre de la Semaine de l’Amérique latine et des Caraïbes et grâce à l’exposition de la galerie Arte al Paso «Vive Molière», des poètes se rencontrent pour lire leurs écrits. Dentro de la gran exposición en homenaje al inigualable dramaturgo «Vive Molière»
Maggy De Coster
Bio
Periodista, escritora, poeta, traductora, cuentista, antóloga y conferencista, poseedora de un D.E.A. de Sociología del Derecho y relaciones sociales, Maggy De Coster, publicó treinta y
tres obras sin distinción de géneros. Fue miembro de la Asociación de las Mujeres Periodistas (AFJ), es sociataria de la Sociedad de la Gente de Letras (SGDL), miembro del PEN CLUB francés, fue miembro del Comité director de La Sociedad de los Poetas franceses donde organizaba encuentros literarios mensuales y fue jefe de la redacción de su revista l’Agora.
Es socia de la Société des Gens de lettres y directora-fundadora de la revista literaria Le Manoir des Poètes. Es Organizadora de talleres de escritura en las escuelas primarias y secundarias y en la Universidad. Participa en los foros de orientación de los alumnos de la enseñanza secundaria como periodista y también hace parte del comité científico de la revista Le Pan Poétique des Muses, una revista internacional feminista y universitaria. Sus poemas
son traducidos en italiano, catalán, inglés, rumano, persa, serbio, y árabe. Consiguió varios premios en Francia, Italia y América latina. Su obra literaria (poesía y novela) es traducida y presentado como tesis y trabajo de fin de estudio el departamento de Letras y lenguas extranjeras de la Universidad de Cagliari en Cerdeña ( Italia), bajo la autoridad del Profesor Mario Selvaggio.
**
Biographie –
Maggy De Coster est journaliste de formation et possède un D.E.A de Sociologie du Droit et relations sociales. Poète, romancière, traductrice, conférencière, et nouvelliste, elle a publié 33 ouvrages, tous genres confondus, auxquels s’ajoutent des publications en anthologies, en français,
en espagnol, en portugais, en roumain et en italien. Elle est sociétaire de la Société des Gens de lettres (SGDL), membre du P.E.N. Club français. Elle fut membre du Conseil d’Administration de la Société des Poètes Français pendant neuf ans et rédactrice en chef de sa revue, l’Agora, pendant deux ans. Elle est la Présidente-fondatrice de la revue Le Manoir des Poètes et de l’association du même nom. Trois de ses publications ont fait l’objet de mémoires de licence et de maîtrise à l’Université de Cagliari en Sardaigne sous la rection du Professeur Mario SELVAGGIO.
Elle est membre du comité scientifique de la revue féministe internationale et universitaire Le Pan Poétique des Muses. Elle a traduit en français plusieurs poètes et romanciers latino-américains. Elle
donne des conférences en France, en Europe et en Amérique latine dans le cadre des colloques universitaires et des manifestations littéraires. Elle dirige des ateliers d’écriture. En tant que journaliste, elle intervient au lycée dans le cadre des forums de métiers.
Michel Cassir (Francia-El Líbano)
Científico de formación y Profesor en la Escuela Nacional Superior de Química de Paris, Michel Cassir tiene una producción literaria de veinte tres libros, uno de los cuales ha sido traducido en español en México y el otro en turco en Estambul. Nacido en 1952 en Alejandría, Egipto, pasa su juventud en el Líbano donde hace parte de la corriente novadora y rebelde de la poesía francófona. Realiza sus estudios superiores en Francia y luego enseña en la Universidad Nacional Autónoma de México durante nueve años. Vive en Paris desde hace treinta y cuatro años donde persigue una actividad sostenida en el plano de la creación y difusión de la poesía, paralelamente a sus actividades de docencia y de investigación en el campo científico. Poeta de la exigencia e integralidad de la aventura poética, Michel Cassir es tan marcado por el surrealismo europeo y latino-americano que por el universo arabo-mediterráneo. Artesano de la imagen breve y fulgurante, explora desde hace numerosos años las vías de la oralidad y de la música. Ha sido publicado en antologías y revistas poéticas en Francia, El Líbano, México, Argelia, Túnez, Italia, España, Turquía, Rumania, Córcega, Finlandia, Reino Unido y Rusia.
Recibe el “Gran Premio de la Literatura Francófona”, del Jazmín de Plata por el conjunto de su obra literaria en 2008.
Director de la Collection de poesía “Levée d’Ancre” en las ediciones L’Harmattan. Collection dirigée par
Michel Cassir & Christian Cavaillé
et fondée en 2001 par Gérard Augustin et Michel Cassir
Obra poética:
«Le sang qui monte lucide» La sangre que fluye lúcida (Ed. P.J. Oswald, Collection La poésie est contagieuse, 1976)
«Innocence comme une racine flambée» Inocencia como una raiz (Abeilles, 1977)
«Une étoile avala moi» Una estrella tragó yo (Ed. des Prouvaires, 1979)
«Il est temps d’arracher l’oreille bleue du charme» Es tiempo de arrancar la oreja azul del encanto (Ed. St-Germain-des-Prés, Collection A l’écoute des sources, 1982)
«A cause des fusées et de la mélancolie» A causa de los cohetes y de la melancolía (Ed. St-Germain-des-Prés, Collection Blanche, 1986)
«Il se peut que le rêve d’exister» Se puede que el sueño de existir (Ed. L’Harmattan, Collection Poètes des cinq continents, 1991)
«Il n’est d’ange que de parfum» No hay ángel sino del perfume (Ed. des Moires, 1995)
«Ralenti de l’éclair» El rayo a cámara lenta (Ed. L’Harmattan, Collection Poètes des cinq continents,1995)
«Enluminure de terre» (Livre d’art édité par B.G. Lafabrie, 1995)
«Atelier de sable» Taller de arena (Ed. L’Harmattan, Collection Poètes des cinq continents, 1999)
«L’infini rapproché par les cornes» Lo infinito acercado por los cuernos (Ed. L’Harmattan, Collection Levée d’Ancre, 2003)
«Les distances magnétiques» Las distancias magnéticas, con Antoine Boulad (Ed. L’Harmattan, Collection Levée d’Ancre, 2005)
«Creuset de souffle» Crisol de soplo, con un collage de Alvaro Benitez (Livre d’art édité par B.G. Lafabrie, 2005)
«Dieux des dieux des dieux» Dioses dioses dioses, (Ed. L’Harmattan, Collection Levée d’Ancre, 2008)
«Point d’orgue» (Ed. Bilingue árabe-francés, El Saqui Books, Londres, 2012)
«Hors Temazcal»,Fuera del Temazcal (Ed. L’Harmattan, Collection Levée d’Ancre, 2012)
«Beyrouth clair de ruine», (Ed. El Ayn, Beyrouth, 2012)
“La fête pregnant de vitesse l’obscur” La fiesta ganando en velocidad a lo oscuro (Ed. L’Harmattan, Collection Levée d’Ancre, 2014)
«Ces langues que nous ne parlons pas» Estas lenguas que no hablamos (Ed. L’Harmattan, Collection Levée d’Ancre, 2016)
«Manifeste oblique» Manifesto oblicuo (Ed. L’Harmattan, Collection Levée d’Ancre, 2018)
«Lame» Filo (Ed. L’Harmattan, Collection Levée d’Ancre, 2020)
«Pas tout à fait la nef des fous» No del todo nave de los locos con Christian Cavaillé (Ed. L’Harmattan, Collection Levée d’Ancre, 2020)
Obra en prosa:
«Braise de galop» Brasa de galope (Ed. L’Harmattan, Collection Ecritures, 2000)
Colectivo de poesía:
«Mauvais sang» Mala sangre (Germinal, 1976)
Traducción :
Enrique Fonseca González «Ixchel», traducido del español (Nicaragua) (Ed. L’Harmattan, Collection Levée d’Ancre, 2002)
Myrta Sessarego «Frôlement d’ombres» Roce de sombras, traducido del español (Argentina) (Ed. L’Harmattan, Collection Levée d’Ancre, 2004)
José Angel Leyva «Exorbitant» Exorbitante, traducido del español (México) (Ed. L’Harmattan, Collection Levée d’Ancre, 2020)
Presencia en antologías:
«Panorama de la poésie libanaise d’expression française» Panorama de la poesía libanesa de expresión francesa por N.A. Anhoury (Dar El Machreq, Beyrouth, 1988)
«40 poètes de la francophonie» Cuarenta poetas de la francofonia (Revue La Sape, 1990)
«Anthologie de la littérature libanaise d’expression française» Antología de la literatura libanesa de expresión francesa (L’Harmattan, 1999), (Ed. L’Harmattan, Collection Levée d’Ancre, 2002)
«Anthologie poétique : calendrier de la poésie francophone 2009» Antología poética : calendario de la poesía francófona (Alhambra Publishing, 2009)
«Si Mohand U M’Hand le rebelle» Si Mohand U M’Hand el rebelde (Collection Paroles Nomades, 2010)
«Calendrier de la poésie francophone» Antología poética : calendario de la poesía francófona (Alhambra publishing, 2011)
«Mennska i myrkrinu», anthologie de poètes du Monde arabe (antología de poetas del mundo arabe) publiée en Islande à Reyjavik par Thor Stefanson (ODDUR 2014)
« The last Crusade », antología de ensayos, prosa , par J. Ny poesía. Reilly (R & R publishings (Scotland 2016)
Creación de una antología arbitraria sobre las voces mediteráneas:
«Méditerranée, ombrageuse voyance», 14 poetas (L’Harmattan, Collection Levée d’Ancre, 2003)
Puesta en música de varios de sus poemas por Paul Mattar (disco), Claudia Christiansen, Roumyana Petrova y Wassim Soubra: en Líbano, México, Bulgaria y Francia
Performancias poético-musicales y participación a varios festivales de poesía:
Más de 150 recitales de poesía y música en Francia (Paris, Nantes, Tolosa, Tarascón, El Havre, Avignon, Château-Landon, Lodève, Frontignan, Rennes, Honfleur, Dieppe), en México, Líbano, España, San Salvador, Argentina, Gran Bretaña, Nicaragua, Turquía, Italia, Bosnia-Herzegovina, Rumania, Argelia y Túnez.
Traducido al español, árabe, inglés, turco, griego, corso, islandés, rumano, italiano, bosniaco y ruso.
Le livre d’or de la galerie ¡VIVE MOLIÈRE!
Du 26 mai au 11 juin, la France met à l’honneur l’Amérique latine et les Caraïbes à travers la neuvième édition de la Semaine de l’Amérique latine et les Caraïbes (SALC). Une occasion de célébrer les liens d’amitié et les intérêts partagés entre nos deux régions, mais aussi de découvrir la richesse et la diversité de ce sous-continent autour d’une riche palette d’événements culturels, scientifiques, politiques, économiques ou simplement festifs.
Nous sommes satisfaits d’enregistrer les expériences de ceux qui ont assisté à l’exposition VIVE Moliere. Arte al Paso Gallery. Commissaire de l’exposition: Adriana Silva
Los visitantes registran sus experiencias en el libro de Oro de la Galeria.
Las Damas del Arte I
DORIS CRUZ DE MEJIA
Artista expositora llega por primera vez a París con Arte al Paso Gallery, tuvimos el honor de conocerla y saber de su enorme sensibilidad hacia el arte, en VIVE Molière 2022.
San Pedro Sula, Honduras
Miembro del staff de instructores del social painting “vino y pincel” junto a los artistas dr. Gustavo larach, pintora margarita rodriguez y pintora ileana rodriguez. 2015
propietaria y fundadora de la jaboteca. Elaboración de productos artesanales y artísticos 100% naturales. 2014 a la fecha.
Pintura de mi creación utilizada en impresión de tarjetas para venta a beneficio de la fundación hondureña para el niño con cáncer.. By icihn.
Experiencia de
voluntariado
miembro voluntaria de
la fundación
hondureña para el niño
con cáncer.
Colaboramos junto a
amah en la x expo venta
el arte y la paz bajo la
dirección de la artista
sra. Jaqueline
rivera,donde se designo
un porcentaje de la
venta de las obras
expuestas a la
fundación hondureña
para el niño con
cáncer. Banco del país.
2013
expoventa amah
verano en las artes a
beneficio de la
fundación hondureña
para el niño con
cáncer. Hotel
intercontinental 2013.
Exposición el merendón. Estudio 7-ihci. Sps 12 nov-10 dic 2021.
Pinturas a escala estudio 7. Sps 25 junio-02 julio 2021
expo venta arte en miniatura. Amah sps 22-23 junio 2021.
El arte y la paz en honduras. Amah banpais . Sps. 1 -15 dic 2020.
Artistas ayudando artistas. Galería nacional de arte sps nov 2020.
Exposición virtual la formula del arte paris 15 al 30 sep 2020
pintata ecoarte por el medioambiente. Fundación arte al paso, arte al paso y manifiesto desde el arte al ecoarte. Exposición virtual. Paris junio 2020.
PATRICIA SILVA IBAÑEZ
Artista expositora llega por primera vez a París con Arte al Paso Gallery, tuvimos el placer de compartir su trayectoria y de tener su obra en VIVE Molière 2022.
Nacida el 3 de octubre 1959 Uruguay. Patricia Silva es artista plástica, Licenciada en Artes Visuales, egresada del Instituto Escuela Nacional de Bellas Artes de Uruguay. Ha realizado su formación en arte en los talleres del pintor uruguayo Edgardo Ribeiro (padre) en los años 1971 -72, al ganar un concurso de pintura inter-escolar. Taller del pintor uruguayo Osvaldo Paz, años 1982-83, e Instituto Escuela Nacional de Bellas Artes, desde 1985 a 1999., Taller Fundamental pintor Tola Invernizzi. Realizó varias muestras colectivas y varias muestras individuales. Ha sido seleccionada para participar en la muestra itinerante «Las In-Visibles» organizado por el Visual Art Resources, de Eugene, Oregón, U.S.A, en 1996, que recorrió Estados Unidos, y también, en 2013, para participar de la muestra colectiva itinerante» Por los Derechos de la Mujer y la No Violencia de Género», que recorre Brasil, Argentina, Colombia y Uruguay, organizada en sus comienzos por:”Revolución de Artistas Anónimos”, y luego por la curadora y gestora cultural argentina Alejandra Menduiña Schneider, por Argentina y Europa.
También ha sido seleccionada para integrar la Primera Bienal de Italia de Creatividad, organizada por la Asociación Socio Cultural Ea Editore, de Palermo, a realizarse en Verona, Pala Expo, en febrero 12- 16, de 2013, con dos obras de su serie: “Cuerpos rasgados”.
Actualmente ha sido designada para dar un taller de Expresión Corporal con apoyo en las Artes Plásticas, en la Cátedra del Seminario de las
Estéticas III, del Instituto Escuela Nacional de Bellas Artes de Uruguay.
Es profesora de Artes Visuales en Primaria.
En julio de 2014 es seleccionada para integrar la Segunda Bienal de Palermo, Italia, 2015, con dos de sus obras.
En enero de 2015: presenta en Sala Aires, de Córdoba, Andalucía, su muestra “Cuerpos rasgados”.
Sobre esta muestra, se publicó una nota en la revista “Aires de Córdoba”, febrero de 2015.
Tres de los cuadros que integran esa muestra, que habla sobre la conciencia sobre los Derechos Humanos, y contra la Violencia de Género, fueron donados al Instituto Andaluz de la Mujer, y otros cinco integraron el evento internacional “Grito de Mujer”, siendo expuestos en “El patio de la Marquesa”, Andalucía, e integrando el libro virtual “Grito de Mujer”.
Nacida el 3 de octubre 1959.
Patricia Silva es artista plástica, Licenciada en Artes Visuales,
egresada del Instituto Escuela Nacional de Bellas Artes de Uruguay. Ha
realizado su formación en arte en los talleres del pintor uruguayo
Edgardo Ribeiro (padre) en los años 1971 -72, al ganar un concurso de
pintura inter-escolar. Taller del pintor uruguayo Osvaldo Paz, años
1982-83, e Instituto Escuela Nacional de Bellas Artes, desde 1985 a
1999., Taller Fundamental pintor Tola Invernizzi. Realizó varias
muestras colectivas y varias muestras individuales. Ha sido seleccionada
para participar en la muestra itinerante «Las In-Visibles» organizado
por el Visual Art Resources, de Eugene, Oregón, U.S.A, en 1996, que
recorrió Estados Unidos, y también, en 2013, para participar de la
muestra colectiva itinerante» Por los Derechos de la Mujer y la No
Violencia de Género», que recorre Brasil, Argentina, Colombia y Uruguay,
organizada en sus comienzos por: ”Revolución de Artistas Anónimos»
También ha sido seleccionada
para integrar la Primera Bienal de Italia de Creatividad, organizada por
la Asociación Socio Cultural Ea Editore, de Palermo, a realizarse en
Verona, Pala Expo, en febrero 12- 16, de 2013, con dos obras de su
serie: “Cuerpos rasgados”.
Actualmente ha sido designada
para dar un taller de Expresión Corporal con apoyo en las Artes
Plásticas, en la Cátedra del Seminario de las
Estéticas III, del Instituto Escuela Nacional de Bellas Artes de Uruguay.
Es profesora de Artes Visuales en Primaria.
En julio de 2014 es seleccionada para integrar la Segunda Bienal de Palermo, Italia, 2015, con dos de sus obras.
En enero de 2015: presenta en Sala Aires, de Córdoba, Andalucía, su muestra “Cuerpos rasgados”.
Sobre esta muestra, se publicó una nota en la revista “Aires de Córdoba”, febrero de 2015.
Tres de los cuadros que
integran esa muestra, que habla sobre la conciencia sobre los Derechos
Humanos, y contra la Violencia de Género, fueron donados al Instituto
Andaluz de la Mujer, y otros cinco integraron el evento internacional
“Grito de Mujer”, siendo expuestos en “El patio de la Marquesa”,
Andalucía, e integrando el libro virtual “Grito de Mujer”.
CONSTANZA YAÑEZ
Artista expositora llega por primera vez a París con Arte al Paso
Gallery, reconocimientos, exposiciones y galardones desde 1985, hemos tenido el gusto de tener su obra en VIVE Molière 2022.
Nací en la Ciudad de México. (1960)
Desde muy pequeña tuve el gusto por el color, la forma y la imagen, alguna vez llegaron a llamar la atención mis dibujos y pinturas de mi mas tierna infancia; decía mi padre.
Descubrí mi fascinación por la pintura en mi juventud, a los quince años; por lo que inicio la búsqueda del conocimiento de la técnica, tomando clases en el taller en Tijuana, B.C. en dónde radicó desde 1975 a 1977. Durante este tiempo busqué estudiar cursos de dibujo, acuarela, fotografía, diseño de interiores y otras técnicas que le ayudaran a expresar lo que en mi interior sentía.
En 1981 ingreso a la Universidad Autónoma de Guadalajara, a estudiar la Licenciatura en Artes Visuales, la que me ayuda en la formación y conocimiento de las disciplinas artísticas en pintura, escultura, grabado, dibujo, diseño gráfico, fotografía, animación, entre otros. Concluyendo la Licenciatura en 1985.
A partir de ahí ingreso como becaria al Instituto Cultural Cabañas a reforzar algunas técnicas como la acuarela, el grabado y la litografía; durante los años 1985 a 1988. Desde ese momento inicio mi quehacer artístico experimentando con técnicas y materiales, en la búsqueda por encontrar el lenguaje propio.
Actualmente radico en la Ciudad de México desde hace 20 años, y he dedicado mi tiempo al estudio e investigación de las técnicas de pintura que fueron utilizadas durante el Renacimiento, como el Temple y el Oleo.
Apoyamos Artistas jóvenes con talento
Bruno Ángel Londoño
Artista expositor llega por primera vez a París con Arte al Paso Gallery, tuvimos el gusto de conocer un estilo propio, joven, pero muy centrado. en VIVE Molière 2022.
«Desde hace varios años empecé a trabajar en mi propio estilo de pintura, influenciado por artistas como Roy Fox Lichtenstein y Andy Warhol».
Nació en Manizales, Colombia 1994 Después del bachillerato, viajo a la ciudad de Savannah, GA, Estados Unidos para estudiar Arte y Animación en SCAD (Savannah College of Art and Design) gracias a una beca que le ofrecieron por sus altos estándares académicos y su portafolio artístico. Ha realizado exposiciones colectivas e individuales en su país y en el exterior, desde el 2004.
Darling Suarez
Artista expositora expone por primera vez a París de la mano de Arte al Paso Gallery, su talante, su carisma y su propio estilo, nos sorprendió gratamente en VIVE Molière 2022.
Pintora nacida en Caracas, Distrito Capital Venezuela1994 . Establecida actualmente en Paris, es creadora de obras modernas que recrea la historia en miras de futuro. Darling-art ha desarrollado una técnica fundada sobre la Mancha Geométrica y el color, produciendo el (Pop Art) organizado en función de un punto de vista privilegiada.
Esta técnica se apoya sobre lo urbano de toques de colores no mezclados sobre el lienzo, y sobre la fusión de un Pop, generando un efecto de colores intensos, profundo y suave a la vez.
Salomé González
Artista Ecuatoriana, que expone por primera vez en París con Arte al Paso Gallery, tuvimos el gusto de conocerla en VIVE Molière 2022.
Salomé González was born in 1986 in Ibarra, Ecuador. Based in Grenoble, France. She obtained her diploma at the School of Fine Arts “Daniel Reyes” (Ecuador) where she graduated in graphic art.In 2010, she graduated from the Pontifical Catholic University of Ecuador, majoring in Product Design and Process Control. In 2020, she returns to Ecuador, her homeland.After a period of figurative and surrealist style, she is influenced by abstract expressionism, notably by artists like Monet, Turner, Lita Cabellut and Zao Wou-Ki.The artist’s work is linked to experiences of her life in the countryside. The fact that she grew up in the midst of nature has had a preponderant influence on her works, especially as an aesthetic reference.We can describe her work as a “metaphorical garden”, which would be a map of emotions, feelings, perceptions and sensations, where she represents the psychological complexity of the human being. To recreate her “metaphorical garden” the artist has assigned maize plants as an artful and symbolic element, thanks to the relevance of the ancestral legacy in her Andean culture. Thus we can say that her artistic work is situated on the fine line between memory and psychology.